DISEÑO POR LA GALERÍA

Milán

La ciudad lombarda vuelve a marcar tendencia con otra edición del Salón del Mueble, sólo para recordarle al mundo su reconocida elegancia y estilo


MILÁN.- Entre las ilustres ciudades italianas, gloriosas por su historia milenaria, sus palacios, sus iglesias solemnes, su cultura, su belleza, Milán es la que más sufrió estéticamente los bombardeos durante la Segunda Guerra Mundial. Y al no haber conservado tantos monumentos y palacios históricos, como Roma, Florencia o Venecia, la capital de la región de Lombardía parece haberse concentrado más en destacarse como centro de la moda, del diseño, de los negocios.
Uno de los momentos en el calendario más adecuados para apreciar esa personalidad es durante los días del Salón del Mueble, que este año se hará entre el 9 y 14 de abril. Se trata de la feria de diseño y decoración con mayor relevancia a nivel internacional, y tiene sede en la Fiera Milano de Rho, un barrio afuera del centro histórico, pero de fácil acceso con la línea roja del subte.
Durante esa semana dinámica y emprendedora, Milán (la segunda ciudad italiana por población) se transforma en una gran celebración creativa, con una completa programación de eventos y exhibiciones de la mañana a la noche, por toda la ciudad. Para los aficionados al diseño, el Salón del Mueble es una valiosa oportunidad para conocer las últimas (y las próximas) tendencias. El mundo que vamos a habitar es el título de esta edición de la feria, especialmente orientada al futuro. "Es importante saber renovarse", explica a la nacion el presidente del salón, Claudio Luti, que este año prevé 300.000 visitantes de 160 países y 2500 expositores.
En esas jornadas, el diseño se ve por toda la ciudad, no sólo en el predio de la feria, en particular en las zonas centrales como Brera, la Triennale, los quiostros de la Biblioteca Umanitaria, la Universidad Católica, Via Tortona y Ventura-Lambrate, donde se genera un marketing de barrio en que hoteles, locales, tiendas, agencias de comunicación, espacios culturales, concurren para promover y organizar eventos abiertos al público todo el tiempo. Para estar al tanto de todas las actividades, Fuorisalone, organización que promueve los eventos que acompañan la feria, distribuye una guía que también se puede ver y bajar en la página Web (www.fuorisalone.it
2013). En el programa habrá un toque de argentinidad: las alpargatas Paez tendrán su evento el 12 y 13 de abril en el Swami Cafè (Viale Montenero 12), a las 20, brindando con un trago típico argentino, gratuito sólo para quien lleve puestas las alpargatas.

Mucho para mirar, dentro y fuera de las vidrieras.
La moda es otro elemento fundamental en esta ciudad y también del Salón del Mueble. No se puede pasar por Milán sin aventurarse por las vidrieras de las grandes marcas de la moda italiana. Durante la feria, el llamado cuadrilátero de la moda, que recorre cuatro calles emblemáticas (Via Montenapoleone, Via Gesù, Via della Spiga e Via Sant'Andrea), se pone aún más interesante ya que las tiendas de lujo se suman al evento con instalaciones y eventos especiales. Algunas marcas incluso aprovechan para presentar sus propias home collections. Mientras tanto, tiendas como Gió Moretti (en Via della Spiga) y Banner (Via Sant'Andrea) ofrecen una buena selección de diseñadores de ropa emergentes.
A pocos metros del cuadrilátero arranca Corso Vittorio Emanuele, calle peatonal que entre tiendas y bares lleva hasta Piazza del Duomo, símbolo de Milán por excelencia. La basílica amerita una visita, así como la subida a la cima del Duomo. En frente, la Galleria Vittorio Emanuele es otro lugar donde mirar vidrieras y tomar el famoso Spritz (clásico trago italiano) en el histórico bar il Camparino, donde paraban los compositores Verdi y Toscanini, a la vuelta del Teatro alla Scala, que durante la semana del salón presenta imperdibles conciertos de su Orquestra Filarmónica.
El centro de Milán se recorre fácilmente a pie en un solo día. Caminarlo se transformó en una experiencia más placentera desde el año último, cuando el proyecto Area C limitó drásticamente el tránsito de automóviles por el centro, generando al principio reacciones adversas entre los vecinos, pero produciendo finalmente un gran beneficio para la ciudad. Esto fue posible gracias a un transporte público impecable y un eficiente sistema de alquiler de bicicletas (www.bikemi.com), buena alternativa a los taxis dispendiosos. ¡Siempre que no nieve ni llueva! La llegada de la primavera, cuando la lluvia y el frío dejan lugar a los días cálidos y soleados, es el mejor momento para pasear por las encantadoras calles de Milán.

La Vittorio Emanuele II, uno de los símbolos de la ciudad, inaugurada en 1877.. Foto: Corbis

para sibaritas, del panettone al... sushi


La oferta gastronómica en Milán es variadísima. Al Mercato ( www.al-mercato.it ), hamburguesería y restaurante al mismo tiempo, es el lugar de moda del momento, donde van todos los jóvenes jet-setters que se deleitan con los exquisitos platos de Beniamino y Eugenio, dos chefs-propietarios apasionados por la alta cocina.
Erba Brusca ( www.erbabrusca.it ), en la zona Navigli, con su jardín y su huerta ciudadana, es el lugar perfecto para pasar días soleados, con un brunch dominical, cuando Alice, creativa chef, dueña del restaurante, sorprende con platos inolvidables. Se puede llegar en bici, por una larga pero muy linda senda que costea el Naviglio.
Otro restaurante interesante es Enocratia ( enocratia.wordpress.com ). Su chef, Eugenio Boer, sugiere combinaciones de vino y comidas que parten desde el vino y no al revés.
Recorriendo Corso Vittorio Emanuele, el séptimo piso de la Rinascente es una experiencia culinaria total y muy sofisticada, tanto para comprar delicias gastronómicas de packaging muy elegante como para comer desde platos tradicionales hasta sushi.
Lo mismo pasa en Eataly en la planta baja del Excelsior, el enorme concept store con bar para una comida rápida, un rincón con los macarrones de la francesa Ladurée y un supermercado que quiere competir con Harrod's de Londres, tanto en calidad como en precios.
Para el desayuno, la cafetería Pavé (www.pavemilano.com ) es todo un aprendizaje ya que el laboratorio de cocina está a la vista, como parte del local.
En las históricas y riquísimas confiterías St. Ambroeus ( wwwsantambroeusmilano.it ) y Biffi ( www.biffipasticceria.it ), conocida por el panettone (pan dulce) original milanés, sirven saladitos calientes con servilletas de lino que perfuman de almidón. Una inigualable manera de terminar el día.

Tour de colección por los museos



Durante la semana del Salón del Mueble, la entrada a los museos de Milán es gratuita. Entre los que vale la pena visitar se cuenta uno de los más nuevos, Il Cantiere del 900, en el palacio Beltrami, que alguna vez fue sede del Banco Comercial italiano, al cruzar la galería Vittorio Emanuele, sobre Piazza della Scala. Allí se encuentran interesantes obras del 900, ya que este museo forma parte del magnífico Museo Gallerie d'Italia (www.gallerieditalia.com), instalado en cuatro edificios históricos proyectados entre 1700 y 1900, con una rica colección de obras de artistas entre 1800 y 1900, como Hayez, Segantini, Boccioni, entre otros.
Otra visita recomendable es la del histórico Museo Poldi Pezzoli ( www.museopoldipezzoli.it ), una de las más importantes casa-museo en Europa, que fue la residencia aristocrática del noble Gian Giacomo Poldi Pezzoli (1822-1879) y mantiene una de las más sofisticadas colecciones del siglo XIX, entre que se encuentran pinturas italianas del Renacimento.
El Museo del Novecento, en la Piazza del Duomo, es una verdadera reseña de los mejores artistas del 900, instalada en tres pisos a través de un recorrido circular que termina en un último piso desde el cual se puede gozar de una vista de la catedral inolvidable y comer un riquísimo pescado en Giacomo all'Arengario (www.giacomoarengario.com), uno de los restaurantes más exclusivos de la ciudad.
A dos pasos de allí, en los museos del Palazzo Reale, la muestra sobre Modigliani también merece ser vista. Y a pocos minutos se encuentran el Palazzo Morando (Via Sant'Andrea 6), la Galleria d'Arte Moderna (Via Palestro 16) y el Museo del Risorgimento (Via Borgonuovo 23).

Datos útiles

Dónde dormir
  • Bulgari Hotel, habitaciones desde 500 euros, Via Fratelli Gabba 7. Tel.: 0039028058051, www.bulgarihotels.com
  • Straf, desde 240 euros, Via San Raffaele 1. Tel.: 00390291483202, www.straf.it
  • Palazzo Segreti, desde 250 euros, Via San Tomaso 8. Tel.: 0039 02 4952 9250 www.palazzosegreti.com Hotel Spadari al Duomo, desde 210 euros, Via Spadari 11. Tel.: 0039 02 7200 2371www.spadarihotel.com
  • Biocity Hotel, desde 79 Euros, Via Edolo 18. Tel.: 0039 02 66703595, www.biocityhotel.net

    Fuente:lanacion.com

BAYER ABRE POR PRIMERA VEZ AL PÚBLICO
SU TESORO ARTÍSTICO OCULTO EN BERLÍN

Fotografía facilitada por La colección Bayer de la obra "Bodegón con campanilla delante de una máscara", de Karl Schmidt-Rottluff, que forma parte de la muestra "De Beckmann a Warhol". EFEFotografía facilitada por La colección Bayer de la obra "Figura", de Pablo Picasso,  que forma parte de la muestra "De Beckmann a Warhol". EFE


Berlín, 26 - Obras de artistas de la talla de Pablo Picasso, Joan Miró y Andy Warhol están entre lo más destacado de la colección corporativa del gigante farmacéutico Bayer, que ha abierto al público por primera vez su "tesoro oculto".
La muestra, llamada "De Beckmann a Warhol", reúne una selección "pequeña pero representativa" de los fondos de la compañía, con 240 trabajos de 89 artistas, explicó hoy en una entrevista a Efe el director del museo Martin-Gropius-Bau de Berlín, Gereon Sievernich.
"Estamos encantados de mostrar un tesoro oculto. La razón es tan simple como obvia: a diferencia de otras colecciones corporativas, la de Bayer no es accesible al público y nunca se había realizado una retrospectiva general", aseguró.
"La exhibición muestra una mirada general de aproximadamente 100 años de historia del arte", afirmó Sievernich, que explicó que la muestra se divide en cuatro áreas histórico-artísticas: expresionismo alemán, "Escuela de París", arte informal y de postguerra, y artistas contemporáneos.
El expresionismo alemán está representado con trabajos de Max Beckmann, Ernst Ludwing Kirchner, Emil Nolde, Max Pechstein y Karl Schmidt-Rottluff.
El modernismo de la "Escuela de París", por su parte, que abarca toda la escena artística de la capital francesa de comienzos del siglo XX, está presente a través de los trabajos de los artistas George Braque, Marc Chagall, Joan Miró y Pablo Picasso.

Fotografía facilitada por La colección Bayer de la obra "Bodegón con campanilla delante de una máscara", de Karl Schmidt-Rottluff, que forma parte de la muestra "De Beckmann a Warhol". EFEFotografía facilitada por La colección Bayer de la obra "Figura", de Pablo Picasso,  que forma parte de la muestra "De Beckmann a Warhol". EFE

Fotografía facilitada por La colección Bayer de la obra "Figura", de Pablo Picasso, que forma parte de la muestra "De Beckmann a Warhol". EFE

A la vez, representando el arte informal y de la postguerra, se encuentran las obras de Ernst Wilhelm Nay.
El cuarto área, dedicada al arte producido entre 1970 y la actualidad, cuenta con creaciones de artistas de la costa oeste estadounidense, como David Hockney, Sam Francis y Ed Ruscha.
Sievernich subrayó además la inclusión en la muestra varias obras de las fotógrafas yugoslavas Marina Abramovic y Ulvi Ulay en "gran formato polaroid".
Parte de una de las colecciones de arte corporativas más antiguas en Alemania, la exposición se ha organizado con motivo del aniversario número 150 del gigante Bayer.
El origen de la colección está relacionado con Carl Duisberg, director ejecutivo de Bayer entre 1912 y 1925, al que posteriormente emularon otros directivos de la compañía, centrándose en obras no demasiado caras que les gustaron.
La idea inicial no era comprar arte como inversión, sino poner los piezas de arte a disposición de los empleados de la compañía, como parte mobiliario de las oficinas.
La colección Bayer, creada a comienzos del siglo XX, cuenta en la actualidad con unos 2.000 trabajos artísticos y es considerada como el "who's is who" de los siglos XX y XXI, señaló el museo Martin-Gropius-Bau en un comunicado de prensa.
Si bien existen algunas "vacíos" en la colección, "están siendo cerradas paso a paso y actividades de recolección han sido destinadas a mejorar las piezas existentes y dar nuevos enfoques", destacó la publicación.
La muestra abrió sus puertas al público el 22 de marzo y podrá verse hasta el próximo 9 de junio.

Fuente: EFE

SE CUMPLEN 160 AÑOS DEL NACIMIENTO DE VINCENT VAN GOGH


File:Vincent van Gogh 1866.jpg
Vincent Van Gogh en 1866
Se cumple hoy el 160° aniversario del nacimiento del pintor holandés Vincent Van Gogh, que revolucionó la historia de las artes plásticas.
Autor de obras emblemáticas como “El dormitorio” y “La noche estrellada”, además de varios célebres autorretratos, el artista plástico narró su experiencia en las cartas que intercambiaba con su hermano Theo, hasta su suicidio a los 37 años.
Actualmente en Chile se expone una innovadora muestra audiovisual sobre su vida y obra, entre otras alrededor del mundo.

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Autorretrato, 1887
                                               
Vincent Willem van Gogh, nació en Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853  y murió en Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo.
Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) e hizo 1.600 dibujos.
La figura central en su vida fue su hermano menor Theo,quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. Para Theo fueron unas 650 de sus 800 cartas conservadas; las otras son correspondencia con amigos y familiares. A pesar que desde muy joven tuvo inclinación hacia el dibujo, su primer trabajo fue en una galería de arte. Más tarde se convirtió en pastor y en 1879, a la edad de 26 años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó su primera gran obra Los comedores de papas,en ese momento su paleta se componía de tonos sombríos de tierra. La luz de colores vivos por la que es conocido surgió en obras posteriores,cuando se trasladó al sur de Francia consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arles en 1888. La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen. Sufrió frecuentes brotes de una enfermedad mental a lo largo de su vida, que le llevó a producirse una herida de bala que acabó con su vida a la edad de 37 años. A pesar de que existe una tendencia general a especular que su enfermedad mental influyese en su pintura, el crítico de arte Robert Hughes cree que las obras del artista están ejecutadas con un completo control.



Fuentes: varias.

EL MUSEO WARHOL NO PODRÁ MOSTRAR
LOS CÉLEBRES RETRATOS DE MAO EN CHINA

Una mujer pasa junto a la …

Una mujer pasa junto a la obra Mao (1972) del artista estadounidense Andy Warhol en una exposición en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA). EFE/Archivo

Pekín, 26 - Una exposición del artista Andy Warhol actualmente de gira por ciudades asiáticas no podrá mostrar sus célebres retratos de Mao durante sus escalas en Pekín y Shanghái por problemas de censura, informaron fuentes del Museo Warhol, que organiza la exhibición.
En un comunicado de su director, Eric Shiner, el museo, con sede en Pittsburgh (EEUU) admite que tenía esperanzas en poder exponer ocho de estos retratos, realizados en 1972, pero que "comprende que ciertas imágenes no pueden mostrarse aún en China".
Las autoridades chinas no han confirmado este veto, que además choca en un país donde Mao y toda la imaginería de la Revolución Cultural son ampliamente utilizadas por los artistas chinos, muchas veces con los mismos fines irónicos y "pop" que llevaron a Warhol a retratar al "Gran Timonel" en vivos colores.
Además, en 2006 una de las muchas variaciones del Mao de Warhol ya fue mostrada en Pekín, en una Exposición Internacional de Galerías, de la mano del galerista español Carlos Bergantinos.

Fuente: EFE

EL MUSEO RODIN DE PARÍS BUSCA TESTIGOS PARA AUTENTIFICAR UNA ESTATUILLA

Foto tomada el 27 de octubre de 2011 en París de una estatuilla sin firma que podría ser obra del francés Auguste Rodin

El museo Rodin de París decidió asociarse con un experto en arte, especializado en Auguste Rodin, para realizar una búsqueda de testigos que permita autentificar una estatuilla realizada en plata y sin firma, que podría ser obra del gran escultor francés.


Por Patrick Kovarik

El museo Rodin de París decidió asociarse con un experto en arte, especializado en Auguste Rodin, para realizar una búsqueda de testigos que permita autentificar una estatuilla realizada en plata y sin firma, que podría ser obra del gran escultor francés.
En 2011, el experto Gilles Perrault presentó 25 años de meticulosas investigaciones sobre la estatuilla que, según él, es una "escultura expiatoria de un aborto" de Camille Claudel que fue la alumna y la amante de Rodin. En aquel momento, el museo Rodin, guardián de la obra del escultor, se declaró "muy escéptico" sobre este trabajo y rechazó participar en la presentación.
La nueva dirección del museo suscribe el trabajo del experto pero "desea encontrar a los diferentes propietarios de la estatuilla para llegar hasta la fuente", precisó a la AFP uno de sus portavoces.
La estatuilla representa a una joven de pie y encorvada, con la cabeza inclinada hacia un lado. La mujer sujeta con una mano un pañuelo a la altura de la entrepierna y tiene la otra oculta detrás de la espalda.
Descubierta por un anticuario de Nantes en 1987, la estatuilla mide 22,5 cm de alto y se apoya sobre un zócalo. La obra habría sido realizada en 1886, pero no lleva ni firma ni el sello de la fundición donde fue trabajada.
Esta estatua fue adquirida por un aficionado al arte que pidió a Gilles Perrault, también escultor y exjefe de taller en el museo del Louvre y en Versalles, que realizara una investigación.
"Todos los indicios nos llevan a Rodin, las similitudes constatadas (entre la estatuilla y la obra de Rodin) y las comparaciones estilísticas, incluyendo las hechas con dibujos de Rodin y con otras esculturas", explicó Perrault.
Además, hay que añadir una serie de cartas escritas en 1886 y 1887, después de un exilio de cuatro meses de Camille Claudel en Inglaterra, donde habría abortado. "Esta estatua es, en cierta media, un exvoto de una Camille herida que esconde su sexo. Sabemos que abortó cuatro veces, lo que en aquella época era un crimen", añadió.
Rodin prometió a la joven de 24 años casarse con ella, pero nunca cumplió su promesa, recordó Perrault.

Fuente: AFP

UNA ESTATUA ERÓTICA DEL DIOS PAN
ALBOROTA UNA MUESTRA EN LONDRES

Sociedad
Londres

Es una exposición sobre Pompeya. Se incluyó una advertencia “para padres” sobre la fuerte figura de Pan.
La estatua de la polémica del dios Pan practicando el coito con una hembra-cabra.

Por Carrie Vout


Nada más tentador para ir a ver algo que un aviso que prevenga sobre los efectos de lo que se verá. Piensen en el interés de los medios este mes cuando se reveló que la muestra del Museo Británico, Vida y muerte en Pompeya y Herculano, tiene que incluir un aviso instructivo “para padres”. ¿Razones? Se hace para que una antigua escultura de mármol del dios Pan practicando el coito con una hembra-cabra no sea segregada como lo estuvo desde su descubrimiento en 1752, sino que se la exhiba abiertamente junto a las otras obras expuestas.
Pero las noticias también exageran esto de la censura. Lejos de ser olvidada en su primer hogar moderno –el palacio real de Portici en la bahía de Nápoles– la escultura, parte de una colección prohibida que habitaba el sótano, rápidamente se convirtió en celebridad.
El historiador del arte Johann Joachim Winckelmann, que visitó el palacio cuatro veces entre 1758 y 1767, pensó que era él quien había solicitado primero la licencia de observador y a los ingleses que decían que habían visto la obra los llamaba mentirosos. Pero en 1794, otro inglés insiste: escribe que vio la escultura, pero que es demasiado indecente como para describirla y merece ser arrojada al volcán. Por suerte nadie lo escuchó y en el siglo XIX la escultura fue transferida a su nuevo hogar, el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, donde nuevamente pasó a formar parte de una colección reservada.
Para los que son muy tímidos como para pedir el permiso o sobornar al guardia se publicaron grabados y fotos. En 2000 el museo abrió el “gabinete secreto” a la prensa: el gabinete de Pan y la cabra estaba marcado “pornográfico”.
¿Qué hubieran pensado los habitantes de las antiguas ciudades de Herculano y Pompeya si supieran que de los 250 objetos que los representan en la muestra Pan y la cabra son la obra emblema? ¿Era acaso una escultura común entre las esculturas que se veían cotidianamente?
Más común de lo que es para nosotros hoy en día, eso es seguro. La escultura sexualmente explícita, en parte violenta, era moneda común en la cultura romana. Atravesaba todos los sectores de la sociedad y además era decididamente de acceso abierto. 
Familia de Pompeya. Las figuras se obtuvieron volcando yeso en el vacío que dejaron sus cuerpos. /AP
Más allá de la escultura, escenas de sexo adornaban las copas de vino, las lámparas de aceite y las paredes de los comedores y campanillas con formas fálicas se suspendían en las puertas de entrada.
Algunas de las escenas de sexo de las casas más lujosas de Pompeya son demasiado bellas para ser inquietantes, su exquisita pintura y los pigmentos caros más que obscenidad señalan seducción.
Las campanillas, en cambio, estaban diseñadas no para atraer la vista sino para espantar a los demonios, a veces lanzando risas estrepitosas pero a veces algo más siniestro aún. Que un pene erecto pudiera considerarse como un órgano sexual, un indicador de masculinidad, un símbolo de fertilidad o un arma, dependía del contexto.
Si hay que entender a Pan y la cabra, tenemos que comprender que Pan es un dios. El límite entre lo sagrado y lo secular era bastante más permeable en la antigüedad clásica que en el presente. De manera que en una habitación de una casa de Pompeya, dos paneles que muestran cada uno un hombre y una mujer disfrutando su relación sexual comparten el espacio con una pintura del semidiós Hércules. Los dioses eran notoriamente incontinentes en cuanto a sus vidas sexuales.
Nunca podremos ver lo que vieron los romanos. Aunque con la instrucción para padres, en el acto de mirar podemos aprender un poco más sobre qué significa ser humanos.

Quién es Pan



Quién es Pan

Pan era el dios de la fertilidad y el apetito sexual masculino. De las brisas y del atardecer. Representaba la naturaleza salvaje.


La escultura


Hecha de una sola pieza de mármol italiano, pulido como corresponde a un trabajo de calidad, este pequeño grupo escultórico se mostró por primera vez en una gran mansión costera conocida como la Villa de los papiros, en las afueras de Herculano. Esta casa del siglo I a. C. es célebre por su extraordinaria biblioteca. En el jardín, Pan se encontraba al sur de la piscina de la mansión. En el jardín, las imágenes de atletas, pensadores y gobernantes competían con las figuras femeninas, los dioses, animales y sátiros para llamar la atención.


Fuente: clarin.com

"EL REFLEJO DE UNA VIDRIERA NOS MUESTRA OTRA CIUDAD"



Lleva años desafiando con su arte la ley de gravedad. Dice que el espacio urbano es una construcción de la mirada y puede cambiar.
Con su obra. Baglietto y sus máximas: “La ciudad es como una jungla en la que hay de todo”, dice. / DIEGO WALDMANN 

Por Einat Rozenwasser


Parte de una propuesta que conjuga búsqueda personal y creación artística. Mireya Baglietto invita a cambiar la perspectiva para descubrir cómo el piso se transforma en cielo, el techo en suelo y lo que hay alrededor en un continuo que da lugar a nuevas formas, colores, sensaciones. El objetivo es desafiar la rigidez a la que nos tiene acostumbrados la percepción tradicional del tiempo y el espacio.
-¿Qué es para vos el espacio?

-Es esencial, es lo que da sentido a nuestra percepción y nuestro conocimiento. Si lo pensamos desde el punto de vista de la ciudad, es una condición. La ciudad es un gran continente que difiere del campo, obviamente.
Comenzaba la década del 80 y ella buscaba la manera de romper con la ley de gravedad. Fueron años de investigación alrededor de las formas, las estructuras. “Trabajaba en mi taller con un espejo de fondo y empecé a ver que, si bien no podía sacar la gravedad, podía engañarla. Me di cuenta que existía, era un campo virtual”, explica. Fue agregando colores, texturas y sonidos para alimentar el universo sensorial y así dio forma a lo que denominó arte núbico: una experiencia artística que se completa con la mirada de cada espectador (el eje de la antología que está presentando en el Palais de Glace).
-Hay mucho de la personalidad, de las sociedades, que se define a partir de esa espacialidad...

-Todo pasa por ahí. Por eso me gusta hablar de la ciudad como un continente de situaciones diferentes: algunas más lindas, otras miserables, algunas luminosas y otras muy perversas. La ciudad es como una jungla, uno no puede lanzarse, tiene que ir ajustando el paso con cuidado, sabiendo qué va a encontrar de todo. Con un ojo hay que entregarse y con el otro hay que controlar, mita y mita , porque si no, no se disfruta.
Vuelve al día en el que descubrió que detrás de la Buenos Aires de las corridas, de la vida cotidiana, había una Buenos Aires arquitectónica. “Hace muchos años, cuando mis hijos eran chicos, tomamos uno de esos ómnibus que hacen recorridos turísticos y tienen el segundo piso abierto. Nos sentamos adelante y veíamos la ciudad por encima de las marquesinas. Ahí descubrí Buenos Aires: EL Buenos Aires. Después está toda la chamuchina que se pone abajo, las marquesinas, que la mayoría son una porquería”, sigue.
-Los medios de transporte, las calles, los locales, la gente, todo es información visual...

-Resulta que en esa vertiginosidad hablando de tiempo, o en esa espacialidad tan confusa como es una ciudad en acción, uno tiene que elegir. Y generalmente no elige, se deja hacer. Es lo que tenemos que modificar cuando transitamos la ciudad. Siempre digo que el mundo es una construcción de la mirada y, como tal, susceptible de ser modificado. En definitiva, la ciudad es un pedazo de ese mundo en el que yo vivo. Pero nos brindamos poco a la ciudad, siempre apurados y de un lugar a otro.
-Entonces, ¿aprovechás tus traslados para mirarla?

-Aprendo mucho. El tránsito por la zona de vidrieras me apasiona. No miro lo que hay en esa vidriera, miro los reflejos. Desde un colectivo o un taxi vas viendo cómo ese vehículo está donde vos estás y se refleja en otro lado. Me refiero a las grandes vidrieras que no tienen demasiadas cosas, como las de los bares o los hoteles. Entonces hay gente sentada del otro lado, y resulta que en el reflejo están con vos. Es una lección que enseño a la gente cada vez que puedo: a mirar otra cosa que tiene que ver con lo interno, la percepción de cada uno.
-Hay que aprender a entender esa percepción, porque estamos configurados para ver a la altura de los ojos y hacia adelante...

-Estamos configurados para mirar con un solo punto de vista. Mi desafío con el arte núbico siempre fue modificar las pautas de la percepción. Ya no seguir como el burro tras la zanahoria, con esa estructura creada en el Renacimiento para llevar paisajes al plano. Ampliar la percepción también es ampliar el sistema de conocimiento.
En su definición: ampliar la mirada / sentir que se siente/ trasponer culturas / volver al origen / ser el universo / repensar el mundo .
Parte de una propuesta que conjuga búsqueda personal y creación artística. Mireya Baglietto invita a cambiar la perspectiva para descubrir cómo el piso se transforma en cielo, el techo en suelo y lo que hay alrededor en un continuo que da lugar a nuevas formas, colores, sensaciones. El objetivo es desafiar la rigidez a la que nos tiene acostumbrados la percepción tradicional del tiempo y el espacio.
-¿Qué es para vos el espacio?

-Es esencial, es lo que da sentido a nuestra percepción y nuestro conocimiento. Si lo pensamos desde el punto de vista de la ciudad, es una condición. La ciudad es un gran continente que difiere del campo, obviamente.
Comenzaba la década del 80 y ella buscaba la manera de romper con la ley de gravedad. Fueron años de investigación alrededor de las formas, las estructuras. “Trabajaba en mi taller con un espejo de fondo y empecé a ver que, si bien no podía sacar la gravedad, podía engañarla. Me di cuenta que existía, era un campo virtual”, explica. Fue agregando colores, texturas y sonidos para alimentar el universo sensorial y así dio forma a lo que denominó arte núbico: una experiencia artística que se completa con la mirada de cada espectador (el eje de la antología que está presentando en el Palais de Glace).
-Hay mucho de la personalidad, de las sociedades, que se define a partir de esa espacialidad...

-Todo pasa por ahí. Por eso me gusta hablar de la ciudad como un continente de situaciones diferentes: algunas más lindas, otras miserables, algunas luminosas y otras muy perversas. La ciudad es como una jungla, uno no puede lanzarse, tiene que ir ajustando el paso con cuidado, sabiendo qué va a encontrar de todo. Con un ojo hay que entregarse y con el otro hay que controlar, mita y mita , porque si no, no se disfruta.
Vuelve al día en el que descubrió que detrás de la Buenos Aires de las corridas, de la vida cotidiana, había una Buenos Aires arquitectónica. “Hace muchos años, cuando mis hijos eran chicos, tomamos uno de esos ómnibus que hacen recorridos turísticos y tienen el segundo piso abierto. Nos sentamos adelante y veíamos la ciudad por encima de las marquesinas. Ahí descubrí Buenos Aires: EL Buenos Aires. Después está toda la chamuchina que se pone abajo, las marquesinas, que la mayoría son una porquería”, sigue.
-Los medios de transporte, las calles, los locales, la gente, todo es información visual...

-Resulta que en esa vertiginosidad hablando de tiempo, o en esa espacialidad tan confusa como es una ciudad en acción, uno tiene que elegir. Y generalmente no elige, se deja hacer. Es lo que tenemos que modificar cuando transitamos la ciudad. Siempre digo que el mundo es una construcción de la mirada y, como tal, susceptible de ser modificado. En definitiva, la ciudad es un pedazo de ese mundo en el que yo vivo. Pero nos brindamos poco a la ciudad, siempre apurados y de un lugar a otro.
-Entonces, ¿aprovechás tus traslados para mirarla?

-Aprendo mucho. El tránsito por la zona de vidrieras me apasiona. No miro lo que hay en esa vidriera, miro los reflejos. Desde un colectivo o un taxi vas viendo cómo ese vehículo está donde vos estás y se refleja en otro lado. Me refiero a las grandes vidrieras que no tienen demasiadas cosas, como las de los bares o los hoteles. Entonces hay gente sentada del otro lado, y resulta que en el reflejo están con vos. Es una lección que enseño a la gente cada vez que puedo: a mirar otra cosa que tiene que ver con lo interno, la percepción de cada uno.
-Hay que aprender a entender esa percepción, porque estamos configurados para ver a la altura de los ojos y hacia adelante...

-Estamos configurados para mirar con un solo punto de vista. Mi desafío con el arte núbico siempre fue modificar las pautas de la percepción. Ya no seguir como el burro tras la zanahoria, con esa estructura creada en el Renacimiento para llevar paisajes al plano. Ampliar la percepción también es ampliar el sistema de conocimiento.
En su definición: ampliar la mirada / sentir que se siente/ trasponer culturas / volver al origen / ser el universo / repensar el mundo .

Fuente: clarin.com

RENUNCIÓ EL PRESIDENTE DE LA COMISIÖN NACIONAL DE MUSEOS

La obra. La cerró la Ciudad porque no tenía cartel de permiso. /MAXI FAILLA
El lunes 18 de marzo, el arquitecto Juan Martín Repetto presentó su renuncia a la presidencia de la Comisión Nacional de Museos, Monumentos y Lugares Históricos “por razones estrictamente personales”. También dejó su cargo el doctor Oscar De Masi, su vocal más cercano. La conducción de la entidad quedó a cargo Alberto Andrés Petrina, quien ocupaba el cargo de vicepresidente primero.
La semana anterior Repetto había sido cuestionado, después de que el Gobierno porteño clausurara las obras que se estaban llevando adelante en el Cabildo, donde se pretendía instalar un restaurante.
Aunque algunos apuntaban a la conexión entre ambos hechos, fuentes cercanas al funcionario mencionaron el aislamiento y el “vacío político” que venía sufriendo desde el último año.
Un dato que no sorprende si se toma en cuenta que Repetto es un funcionario que viene de la Provincia de Buenos Aires. Las mismas fuentes asocian el hecho con la destitución de José Antonio Pérez Gollán como director del Museo Histórico Nacional. Su cargo fue ocupado por la ultrakirchnerista Araceli Bellota. La presunción es que están radicalizando la Secretaría de Cultura.

Fuente: clarin.com

LA ARGENTINA ISOL
OBTUVO UN PREMIO LITERARIO DE US$ 780.000

Cultura / Reconocimiento internacional

La escritora e ilustradora Marisol Misenta, que colaboró con Paul Auster, fue distinguida, entre 207 autores, con el Astrid Lindgren, uno de los galardones más prestigiosos de la literatura infantil y juvenil, creado por Suecia en 2003.


Isol recibió ayer a LA NACION en su casa del barrio de Almagro tras conocer la noticia del premio. Foto: Gustavo Bosco

Por Violeta Gorodischer / LA NACIÓN

Señal de madurez y gran calidad



La escritora e ilustradora argentina Marisol Misenta, más conocida como Isol, fue distinguida ayer con el premio Astrid Lindgren 2013. Se trata de uno de los galardones más prestigiosos del mundo en literatura infantil, creado en 2003 por el gobierno sueco en memoria de Astrid Lindgren con el objetivo de potenciar el interés por este tipo de escritura. Busca, también, reconocer a autores e ilustradores que inciten la lectura siguiendo el espíritu de la creadora del personaje Pipi Calzaslargas, esa huerfanita salvaje de trenzas rojas que todos guardamos en la memoria.
"Isol crea libros con imágenes desde las perspectivas de los niños que vibran con energía y emociones explosivas -declaró el jurado-. Con facilidad y un humor liberador evoca también las páginas negras de la existencia."
Así, elegida entre 207 candidatos de 67 países, la ilustradora obtendrá la suma de 5 millones de coronas suecas (780.000 dólares) el próximo 27 de mayo en una ceremonia que se desarrollará en el Konserthus de Estocolmo. Este año, además, será nuevamente nominada al premio Hans Christian Andersen, una suerte de "pequeño Premio Nobel" del que fue finalista en 2006 y 2007 y que el año pasado fue para la argentina María Teresa Andruetto.
Ante semejante panorama, la pregunta se cae de madura: ¿estamos ante un apogeo de la literatura infantil argentina? "Yo creo que, sin dudas, estamos pasando por un gran momento -afirma la ilustradora en comunicación con LA NACION. Hoy, la literatura infantil de nuestro país cuenta con los recursos de artistas gráficos, del cómic, de cuentistas, de ilustradores, tiene ingredientes de humor... yo creo que todo eso crea un mix realmente muy atractivo."
Desde su punto de vista, este género ya no piensa la producción de contenidos en términos didácticos o moralistas sino que busca que las historias se transformen en "un lugar de experimentación", tanto para los adultos como para los niños. Al menos eso es lo que ella persigue en cada una de sus historias. "No hago cosas que no me gustan, yo quiero que la persona que me lea sea un par, sin importar la edad", asegura.


Un largo camino



Nacida en 1972, Isol cursó el Magisterio en Bellas Artes. Luego estudió varios años la Licenciatura en Artes hasta que decidió dejar todo para trabajar exclusivamente como ilustradora y autora de los llamados "libros álbumes", una publicación totalmente novedosa para ese entonces, en la que dibujos e ilustraciones cobraban cada vez más protagonismo.
Debutó a los 25 años con Vida de perros, allá por 1997, y desde entonces su carrera sólo fue en línea ascendente: escribió e ilustró decenas de libros, como El globo , Petit el Monstruo , Tener un patito es útil , Castillos , La Bella Griselda , Secreto de familia , Cosas que pasan y Nocturno, por nombrar sólo algunos. En todos buscaba lo mismo: mostrar caras distintas de la vida cotidiana. Es que su principal virtud reside en enfocar situaciones familiares desde el absurdo o el ridículo, evitando siempre la mirada condescendiente o el maniqueísmo entre "buenos y malos" que atravesaba el relato infantil de otras épocas.
Y si a primera vista su trazo impacta por una suerte de ternura plástica puesta en primer plano, enseguida asoma por detrás algo que tiene que ver con el orden de lo inquietante, con aquello que desestabiliza las cosas establecidas. Es más: alguna vez alguien dijo que sus personajes eran "demasiado locos". Pero ella lo desestimó por completo. Ahora se ríe, destaca el apoyo de sus editores y asegura que no le importa demasiado lo que esperen los otros.
Tal vez sea justamente por ese contraste, por su mirada incisiva, que Isol haya ganado tanta aceptación entre grandes y chicos por igual. "Tengo algo que viene del cómic, que tiene que ver con buscar la línea y la personalidad de los personajes, que no son fríos -opina en referencia a su propia obra-. Quiero la frescura y cierta cosa como salvaje y un poco impune, que no importan las reglas, esa cosa que tiene la niñez. Quiero dar esa sensación: la libertad."
También realizó ilustraciones para otros escritores, como las historias del poeta argentino Jorge Luján o El cuento de Navidad de Auggie Wren , el libro infantil de Paul Auster que en 2003 le dio un buen empujón para conseguir difusión a nivel internacional.
Gran parte de sus historias se han publicado en México, España, Francia, Estados Unidos, Corea y Suiza. Casada con el dramaturgo, actor y director argentino Rafael Spregelburd, con quien tiene un hijo de un año, Isol es creativa en múltiples niveles: también compone e interpreta música desde Buenos Aires, su ciudad de residencia.
Emocionada, afirma que este premio marca un antes y un después en su carrera y lo considera "un privilegio". En su primera edición fueron premiados la austríaca Christine Nöstlinger y el escritor e ilustrador norteamericano Maurice Sendak. En las siguientes, figuran el Banco del Libro de Venezuela (2007), la australiana Sonya Hartnett (2008) y el holandés Guus Kuijer (2012).
¿Qué va a hacer con todo ese dinero? "Yo nunca pienso en las cosas antes de tenerlas. Nunca tuve una estrategia pensando en ganar dinero. Por suerte puedo vivir de lo que hago", responde.
A la hora de las conclusiones, algo parece quedar claro: el género de la literatura infantil ya no es menor ni secundario y, hoy en día, está ocupando un lugar primordial para las letras argentinas. Eso sí: no puede pensarse el texto sin la imagen. No porque esta última sea subsidiaria del primero, sino porque ambos construyen un diálogo que sólo puede entenderse como conjunto.
"La ilustración no está al servicio del texto, eso hay que entenderlo -plantea Isol-. Hay entre ambos un intercambio, lo importante es aprender a disfrutar de los dos lenguajes. La imagen es poderosa, tan poderosa como la palabra."


Ilustraciones para soñar


Isol combina imaginación en la escritura y el dibujo

  • El sueño del libro aburrido
    La ilustración forma parte de Nocturno, la última publicación de Isol. Está hecho para brillar en la oscuridad porque fue trabajado con tinta fosforescente

  •  
    Nocturno
    Es un recetario de de sueños de aventuras, escenas delirantes e historias

  •  
    Secreto de familia
    Una niña descrubre un secreto por levantarse más temprano que lo usual

  •  
    Regalo sorpresa
    Un niño encuentra un gran regalo, un día antes de su cumpleaños
Fuente: lanacion.com

PAGAN 155 MILLONES DE DÓLARES
POR LA OBRA EL SUEÑO DE PICASSO

El magnate de Wall Street Steve Cohen se la compró a otro multimillonario de Las Vegas que la había dañado hace seis años.


Por Andrea Aguilar / El País

NUEVA YORK.- El sonido del codo del millonario Steve Wynn atravesando el lienzo del cuadro de Picasso El sueño fue descripto como "terrible" y abrió un agujero del tamaño de una moneda de dólar, según la escritora y periodista Nora Ephron, presente en la escena del desastre artístico-financiero de octubre de 2006. Muchos más dólares, hasta 139 millones, se perdieron en ese agujero, que rasgó el acuerdo de venta del cuadro que Wynn había sellado -la cifra más alta que ningún lienzo había costado hasta entonces- y tuvo que cancelar.
A pesar de padecer retinitis pigmentosa, Wynn vio aquella mañana claramente el daño causado. "Menos mal que he sido yo", dijo el magnate de Las Vegas ante los demudados invitados a quienes enseñaba el cuadro, su favorito, el mismo cuyo título estuvo a punto de usar como nombre para su hotel. Wynn mostraba orgulloso el cuadro que poco después viajaría a Connecticut y pasaría a manos de Steve Cohen, uno de los prohombres de Wall Street cuyo millonario fondo de inversión, SAC, le había permitido reunir una apabullante colección de arte, que incluye entre otras obras el tiburón en formol de Hirst, por el que pagó 8 millones de dólares.
Pero la historia no terminó ahí. Siete años después Nora Ephron ha fallecido, el cuadro fue restaurado y Steve Cohen está a punto de sellar un caso judicial por especulación con información privilegiada en bolsa, con un acuerdo que asciende a más de 600 millones de dólares. La noticia de ayer, sin embargo, tiene final feliz al menos para Wynn: El sueño ha sido vendido al mismo comprador, Cohen, por 155 millones de dólares, según informó la agencia Bloomberg haciéndose eco de una nota publicada en The New York Post, que no ha sido confirmada ni desmentida.
El retrato de Marie Thérese Walter, en un sillón con la cabeza vencida hacia atrás y el rostro partido en dos, pasa a convertirse en la obra más cara de Picasso, aunque no ha superado los 250 millones por los que fue vendido Los jugadores de cartas de Cézanne en 2011.
Los expertos citados por Bloomberg aseguran que el aumento en el precio final de El sueño ha incluido los gastos de restauración. Mañana, Cohen tendrá que comparecer en la corte federal de Manhattan para cerrar el acuerdo y evitar ir a juicio. Los precios, exagerados o no, parece que nunca lo han asustado.

Los cuadros más caros

El ranking de las tres obras que más se han cotizado
  • Los jugadores de cartas
    La obra de Paul Cézanne fue adquirida por Qatar en 2012 en US$ 250 millones
  • Desnudo, hojas verdes y busto
    Por este cuadro de Picasso en 2010 se pagaron en Christie's US$ 106 millones
  • Retrato de Adèle Bloch-Bauer
    Por esta obra de Gustav Kilmt se pagaron US$ 136 millones

Fuente: lanacion.com

EL SALÓN BELGRANO, UN CONCURSO CON NUEVOS PREMIOS
Y VIEJAS DEUDAS

El Museo Sívori exhibe su distinción anual pero adeuda los pagos de 2011.



El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori ha abierto el LVII Salón Manuel Belgrano con sentimientos encontrados: contento por la convocatoria de artistas, más de 550, entre las cinco disciplinas (dibujo, grabado, monocopia, escultura y pintura), y preocupado por la devaluación del valor del primer premio, desde 1995 se paga $ 5000, y el atraso en pagar la edición 2011.
No ha comenzado bien la temporada para el legendario Salón de Otoño del Sívori. Aún está pendiente descubrir qué fue lo que motivó el movimiento de parte de la terraza y las rajaduras del frente, en diciembre último, y cómo y cuándo se repararán los daños ocasionados a la estructura. Por ahora, lo único que existe es una protección elemental para que el público que visita el museo no se acerque a la zona afectada.
Las autoridades del museo están preocupadas por las señales del poder político sobre el fomento cultural. "Percibimos señales de retiro del fomento a los artistas y al patrimonio cultural", admitieron colaboradores de Cocó Larrañaga, directora del Sívori.
Mientras el Salón Nacional de Artes Visuales, que se celebra para la primavera en el Palais de Glace, actualizó sus valores, y otros concursos provinciales comienzan a atraer a los artistas por sus compensaciones económicas, como los de San Juan y Santa Fe (rondan los $ 40.000), la situación en el Sívori inquieta.
"La única expectativa que tenemos es que al menos el Salón Belgrano continúe. Tampoco se ha cumplido con el pago de los premios de la Bienal de arte Textil 2010/2011", se indicó a LA NACIÓN.
El trámite de pago de los premios ha sido siempre extenso, pero es la primera vez que el Salón Manuel Belgrano se inaugura con las adquisiciones de la edición anterior sin cumplimentar.
Más allá de estos sinsabores, pueden verse las obras premiadas dispuestas en todos los salones de este museo porteño, ubicado frente al puente del Rosedal de Palermo, en la avenida Infanta Isabel 555.
Los tres primeros premios, en todas las disciplinas, son adquisición, es decir, pasan a formar parte del patrimonio del museo.
En pintura fueron distinguidos 045 , de Elsa Soibelman; Ascensor , de Juan Videla, y Galatea disiecta membra , de José Alberto Marchi. Hueco de luz , de Clarisa Cassiau obtuvo la mención honorífica.
En escultura, ganaron Nada es para siempre , de Claudia Aranovich; Pimoó , de Claudio Gómez, y Rey loco , de Claudio Barragán. La mención honorífica fue para una obra sin título de Fabio Miniotti.
En dibujo fueron galardonados Cimarrones , de Jorga Mansueto; El otro lado del cielo , de Blas Vidal, y Los conjurados , de Jorge Argento. La mención honorífica fue entregada a Ausencia y residencia , de Laura Bettini.
En grabado, recibieron premios Indiferente , de Roberto Koch; Serie: A la mar LXXXV , de Graciela Buratti, y De la Serie: Certezas inicertas II , de Irma Amato. La mirada y mi sombra , de Ana Erman, obtuvo la mención honorífica.
En monocopia, el premio único adquisición fue para Transición I , de Oga Autunno, y la mención honorífica, para Desesperanza, que hay detrás , de Silvina Baz. 

Fuente: lanacion.com